Análisis de La Familia de Pascual Duarte

La familia de Pascual Duarte escrita por Camilo José Cela es una obra que surge de la combinación (que se aprecia de manera evidente) de la picaresca. A la corriente que forma se le llama tremendismo[1], ya que no solo viene de la misma corriente que el Periquillo sarniento, sino que también se pueden ver otras corrientes anteriores que pudieron inspirar, o traía como influencias el autor, además del contexto histórico en que se escribió la obra[2] (muy lógico que fuera la picaresca una de ellas al ser un escritor español).

El título no sugiere nada a simple vista. Pero en la lectura nos dice que no es importante qué crímenes cometió sino porqué lo hizo, por su familia. En todo caso, para mi análisis, el título sirve como referencia para hacer una interpretación de la obra desde un punto de vista determinado: donde la familia es el centro de atención.

El argumento es la historia fragmentada de Pascual, con tal maestría y precisión, que incluso se siente como si una persona narrara los hechos. No es que un narrador no sea una persona, pero en la realidad solo muy pocos pueden presumir de “informar” los hechos (narrativos o no) de manera cronología (situación que se observa más a menudo en la literatura). Básicamente, la historia nos muestra un Pascual Duarte con traumas que en su edad adulta determinaron ciertas acciones a tomar, debido a esto, la novela puede ser analizada por medio del psicoanálisis (tanto por los elementos como por el tipo de narrador que logra hacernos creer, junto con las cartas, que un tal Duarte sí existió, lo que convierte al ejercicio en algo llamativo y más entretenido[3]).

Como mencionamos arriba, el tipo de narrador es en primera persona del singular, lo que logra que, gracias al estilo y el lenguaje, sintamos que alguien nos cuenta una anécdota y no un relato ficticio. El narratal es el Señor Don Joaquín Barrera López, a quién la carta del transcriptor dice que esta escrito el texto, y a quien se intulle que le habla (porque durante la narración de Duarte no se dice) cuando “dice usted me dispensará de que le envié este largo relato…, o “ya no quiero hablar de eso…”

El tiempo que cuenta pareciera ser cronológico, o al menos parece que eso pretende. Pero la verdad es que no parece tener pies ni cabeza el relato. Digo que parece porque se presenta, luego comienza a contarnos anécdotas de niño, y así cada vez más adelante. Pero a parte de las marcas textuales de ser un infantil, si cambiamos de lugar algunos capítulos (con algunas excepciones) bien podrían encajar, por la cantidad de retrospecciones que hace. Toda la obra esta contada en pasado.

Como influencia directa de la picaresca, se “revive” la tesis de “el que nace pobre y desgraciado…” Pero en esta ocasión, es el mismo personaje el que no se deja progresar, y tiende a reaccionar de manera violenta a situaciones difíciles (en un análisis psicológico podría decirse que por lo que miró en casa cuando niño).

La introducción, sin duda, es la carta del transcriptor, donde se nos presenta a Pascual Duarte. El desarrollo se mezcla con los múltiples clímax que tiene la obra. De hecho, la manera que logra impactar desde el inicio y uno de los puntos climáticos que mas me impactó (supongo que por estar muy al inicio), fue cuando mató a su perra[4]. Otros ejemplos climaticos podrían ser cuando se muere el hermano, el padre, cuando se casa con Lola, cuando regresa al pueblo, en los abortos, y sin duda, su muerte narrada en los ojos de otros.

En esta obra, diferente a lo que he hecho en otros análisis, no busque los actantes porque la vedad se me hace que es solo uno, el subconsciente de Duarte. Aunque también podríamos tomar a la muerte de su padre como una, pues por ello se acostó con Lola, lo que desencadenó otros acontecimientos como la boda, los abortos, el engaño cuando huyó...

·         Pascual Duarte: Protagonista de la historia. Violento, asesino, vive sumido en una desgracia cargando por la vida la mala suerte. Sentía afecto por su hermana y su hermano, por lo que intentó hacer siempre lo mejor por ellos.

·         Rosario: Hermana menor de pascual. Manipuladora. Se marchó de muy joven del pueblo natal, se dice que anduvo en malos pasos. Regresó a casa, siendo novia de “el estirao”. Terminó sus días como novia del “señorito Sebastián”. Correspondía siempre el cariño de Pascual.

·         Madre de pascual: Arquetipo de mala madre, cruel y alcohólica. Odiada por Pascual, razón por la que termina matándola.

·         Lola: Primera esposa de Pascual. De las dos veces que se embarazó por pascual, ninguno de le logró, el primero fue aborto y el segundo se murió a los 11 meses. Durante la primera estancia en la cárcel de Pascual, le fue infiel con “el estirao” y quedó embarazada. Murió cuando le contó a Pascual su traición, pero no se sabe si por asfixia o por angustia.

·         Esteban Duarte: Padre de Pascual. Contrabandista de joven, por lo que permaneció en la cárcel durante algún tiempo. Era un hombre soberbio, desagradable, autoritario y borracho, daba terribles palizas a su mujer y a sus hijos, excepto a Rosario. Murió de una terrible manera siendo encerrado por largas horas a los pocos días de que un perro lo mordió y lo infecto de rabia, sus últimas horas fueron mientras Mario nacía.

·         “El estirao”: El contrario de Pascual, “chulo”. Es la persona de la que más mal se habla en toda la narración hasta que muere a manos de Pascual cuando lo visita para llevarse a su ex-mujer del estirao, y se burla en la cara de Pascual de las fechorías cometidas en su contra.

En la obra se citan diversos lugares, pero la mayoría transcurre el pueblo natal de Pascual, perdido por la provincia de Badajoz. Pero por ovios motivos sabemos que la obra es escrita en la cárcel. Algunos lugares a los que viaja a lo largo de la historia son la cuidad de Mérida, la bahía Coruña y la cárcel. El tiempo que abarca la novela es aproximadamente entre treinta y cuarenta años, desde que nace hasta que muere.

El lenguaje es coloquial  desde el inicio, pero como se va acercando su muerte podemos observar que hay un ligero cambio con algunas palabras más cultas(o menos vulgares). Encontramos el lenguaje del Sancho Panza (palabras de antigüedad y refranes del habla vulgar). Predomina la narración aunque en ciertas partes describe.

En un principio, es la obra en la que más he batallado para poder abordarla, ya que no me venia a la mente una corriente de pensamiento mientras la leía (cosa que a veces ocurre con otras novelas,  como con La muerte en Venecia y Nietzsche o la dialogía). Sin duda atractiva desde el inicio, me atrapó la narración del personaje e indudablemente (lo confieso) tuve que regresar al inicio para leer los primeros documentos del libro. Lo novedoso es que no maneja una crítica social como la picaresca convencional, sino que solo aborda sus temas y los profundiza. Nuestro pícaro se vuelve más sedentario, y por eso no crítico el cambio de nombre. En otras palabras, sí hay una crítica y es a la base de la sociedad en esos tiempos: la familia, no toda la sociedad como en Lazarillo de Tormes.

Bibliografía:

Honores, C. (s/a). Tremendismo. Recuperado el noviembre de 2011, de About.com: http://literatura.about.com/od/terminosliterarios/g/Tremendismo.htm

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[1] El tremendismo es definido por  Crystal Honores como “un movimiento literario que se caracteriza por una crudeza en la narración y en la trama, aunque no se relaten hechos exclusivamente bélicos”. (Honores, s/a)

[2] En 1942, periodo postguerras en Europa.

[3] Leí uno de procedencia dudosa, pero no lo quise incluir porque no estoy muy familiarizado con ese tipo de análisis.

[4] Por dos motivos, Pascual dice que se entendía muy bien con el animal y parecía tenerle aprecio. Y el segundo es que me gustan los perros y comenzaba a tenerle cariño a esta.

Reporte de La dama Boba.

La dama boba, de Lope de Vega, se desarrolla en Madrid, cuenta con catorce personajes y un coro de músicos. Esta escrita en endecasílabos y octosílabos, haciendo las distinciones entre escenas en un mismo acto. Las rimas son consonantes aunque no siempre con la misma estructura. En ocasiones se parte el cuarteto para dar diferentes diálogos entre los personajes, donde entre dos o más constituyen un verso o hablan a fragmentos de estrofa, o lanzan todo un poema dejando el final en la boca del oyente como respuesta.

Los escenarios que se distinguen, son, implícitamente la casa de Octavio entre jardines, aposentos, recepciones, lo que se da una idea de la posición social que se ocupa. También está el prado donde se aclaran Laurencio y Liseo.

Los tiempos no están muy definidos, pues los hechos como ocurren no son de un día por acto, quizá por escena o a veces entre dos.

La obra se basa en Finea y Nise, lo que las distinguen, sus pretendientes, la evolución de cada una de ellas (pero más de Finea). En cualquier caso, se puede ver la dominación de la mujer en la sociedad española, cuando las dos hermanas se obtienen lo que desean, y de cómo la lucha de poder siempre es fuerte entre ellas, y siempre desapercibida por el mundo del hombre, que también esta ocupado por su propia lucha.

En el primer acto, la obra introduce a Liseo como una persona con bajos recursos, vive fuera de Madrid. Se entera de la situación económica de la familia de su desposada por el estudiante que conoce y es del mismo sitio que su desposada. Al llegar, conoce a ambas y no le deja muy buena impresión su prometida, de hecho, se queja demasiado ante el público por las acciones de ésta. Se describe a Finea como la boba desde el primer acto, y a Nise como discreta, sabia, gallarda y entendida.

Da la casualidad, de que la obra esté tan bien escrita, que se pueden encontrar algunos rasgos de la vida y el pensamiento conforme su evolución mental, según el modo de vida de los personajes que se traten. Por ejemplo, Nise tiene conocimiento de lo que es la ciencia de la educación y toda la prospectiva desde el punto de vista docto, pero Finea, a pesar de ser la boba de la obra, su juicio se basa en observaciones prácticas de las enseñanzas de la vida. No es que no le guste el arte o las ciencias, solo que los concibe de manera distinta a la ortodoxa de aquellos tiempos, lo que le hace merecimiento el título (eso además de otras cosas como no saber leer).

En el salto del primer al segundo acto hay una elipsis de un mes. Al parecer, Nise ya conoce a su prometido Laurencio, entendiéndose que es quien le presento el amigo de su padre. Pero ya se introduce un enredo: Laurencio está enamorado de Finea, sea por la dote o por ella. Para este momento, Liseo ya no tiene interés en Finea sino por la hermana. Nise termina enojada y Finea desposada a Laurencio, con testigos.

Para el tercer acto, con casi otro mes de elipsis, Finea se convierte en un partido mejor que Nise, de hecho, es tan inteligente que parece boba.  No es considerada boba como antes, sino que ya aprendió lo que debería gracias al amor. Resurge el pleito entre Liseo y Laurencio, lo que hace que Finea actue para que la piensen boba de nuevo. El enredo trae consigo el destierro de Laurencio a la casa de Octavio. Finea lo resuelve escondiéndole en el armario, al que se esconde cuando hombres visiten la casa. El padre promete a sus hijas a otros caballeros, cuando estas se resuelven a querer los que las querían. Al final, los amores triunfan cuando Octavio encuentra a Laurencio y Turín en el desván acompañando a Finea y Clara en una comida que advirtió Celia. Todo se resuelve en el acto final, en la última escena.

Náufrago de Símbolos

“Tristissima Nox”, de Julián del Casal, transporta al lector a un mundo interior obscuro y tenebroso que podría representar la mente humana, en los extraños rincones y muy ocultos, aptos para que las arañas tejan su tela entre susurros del viento en la arboleda. El poema es un soneto con rima consonante, del tipo ABBA/ BAAB/ CDE/ CDE, en endecasílabos. La musicalidad de las palabras hace que el poema no sea solo para ser leído, sino para ser escuchado.

“Noche de soledad”, imagen que se antoja ideal para interiorizar en uno mismo y prestar atención al “rumor difuso” que “hace el viento surgir de la arboleda”. Pero la noche de la que nos habla Julián del Casal no es solo un momento ideal para pensar, como menciono antes, sino que también juega un papel semántico dentro del resto del poema. “Noche de soledad” es la base directa de todo el poema, la introducción al mundo interior tenebroso como lo es la mente y los pensamientos.

En el segundo cuarteto modifica el entorno mas no el sentido simbólico inicial. En contraposición con el anterior (situado entre arboles-tierra-estabilidad, luego en el mar-agua-menor estabilidad), aquí las olas viajan de un sitio a otro, no se quedan quietas. Hacen ruido pero no mucho, sollozan, no lloran.

Aquí encontré un poco más de problema, puesto que en el primer terceto me parece muy polisémico, pero me inclino a pensar que el “firme amparo” podría ser la lluvia (¿de ideas?), el sueño visto como la parte incomprensible de la mente, y la agrupación de los dos tipos de pensamientos de los que habla anteriormente sumergidos en la penumbra (o mejor dicho en el subconsciente).

Por último evoca a la razón como la luz que trae la calma y reconforta en esa obscuridad donde nos aterran los susurros del viento entre las hojas y las telarañas y hacen que el mar se mueva, interesantemente, gobernados por el viento. Viento de los sonidos y palabras con que pensamos y nos expresamos. Siendo las mismas palabras con otro mensaje las que dan “luz” y traen de nuevo la calma en el pensamiento.

Análisis de La muerte en Venecia.

La muerte en Venecia es una novela de Tomas Mann que se puede analizar desde varios puntos de vista teóricos, gracias a su literaturidad[1]. Se puede ver a través de una percepción dialógica, donde abordamos el texto como un diálogo entre los pensamientos de Gustavo Aschenbach, sin duda valida, ya que desde una mirada más cercas notamos que la novela esta totalmente estructurada desde el punto de vista del personaje aunque no lo cuenta propiamente. Si hay algunos diálogos fuera de la mente de éste, pero en su mayoría solo son aparentes monólogos de lo que ve. Otra perspectiva muy interesante nos la propone Marina Martínez en Aschenbach: El superhombre nietzscheano (Martínez, 2002), donde nos propone un análisis donde nos muestra la experiencia de Gustavo como el héroe del que habla Nietzsche, sin duda, este texto se presta mucho para la visión deconstructivista.

Sin duda es una novela muy compleja con diversas interpretaciones, mi trabajo se va a centrar en el análisis establecido en clase e intentaré mostrar los puntos clave de los diferentes puntos de vista en el análisis según el tipo.

En cuanto a historia y discurso, básicamente se nos presenta a Gustavo Aschenbach de manera íntegra, esto es, desde la novela podemos ver a un ser humano desde su físico, sus gustos y sus pensamientos. La narración del personaje abarca desde su infancia hasta su muerte, pero el discurso importante es el viaje a Venecia, lo que acontece durante su viaje y su estancia hasta la muerte. La narración esta basada en descripciones donde se mezcla un poco con el estado de animo y las impresiones de Gustavo. No solo se describe lo que se ve, sino lo que piensa, las actitudes del personaje…, el efecto que se logra con ellas es diverso: se le da profundidad al personaje, tanto en su historia, su perfil psicológico y su plano físico; se logra detener la narración “principal” en el viaje, por ejemplo, dando la impresión de hacerlo. Encontramos algunos diálogos entre los personajes, muchos recursos literarios, pero se tiene el problema de traducción, lo que a veces modifica la obra.

El título a simple vista nos da el tópico de la narración.  Pero en ser ese el caso, ¿por qué se remonta tanto? y ¿para que se llevó solo hasta el final?  Ambas llevan a un análisis más profundo, lo que podía ser un giño del escritor para llevarnos por otro camino al establecido (concepto dialógico de novela). En cierto momento hace pensar en la muerte de lo establecido, un antes y un después, cuando Gustavo compara la Venecia de sol y playa con la Venecia que encuentra, y desde ahí se da la entrada a la deconstrucción, entre otras partes de la novela, que se verán adelante.

La focalización es de un omnisciente limitado, siempre cuidando a Gustavo en lo que dice, piensa e interactúa con los demás y su entorno, nunca le deja. No hay indicios de una metaficción propiamente dicha, a menos que se le pueda considerar a la parte donde se narran los antecedentes de Aschenbach (lo que nos genera un nuevo punto del no retorno al momento de conocer a Tazdio). El efecto que se logra con este narrador es el de darnos una visión objetiva de los hechos.

La narración inicia presentándonos el motivo del viaje a Venecia, sin duda parte importante para poder morir ahí es estar en el sitio. El primer problema es el de todo escritor que pierde la inspiración. Luego hace un salto al pasado para narrarnos quién es Gustavo Aschenbach, hasta el momento del viaje. Luego nos convertimos en la sombra de nuestro personaje hasta el final. Los temas importantes se basan directamente en una transformación, un antes y un después. Pero se hace un énfasis especial en el punto del no retorno, esto es, da mucha importancia a la transición, el momento que separa ese antes y después.  

Se habla del prototipo de belleza, el arte antiguo y el nuevo (en la comparación de Gustavo-Tazdio con la idea de que Gustavo es una persona mayor y escritor reconocido, Tazdio es todo lo contrario, como las nuevas corrientes de arte: joven, nuevo, inocente y delicado).

Sin duda la novela toda es lenta, pero si hay que elegir, los puntos climáticos pueden ser durante el viaje cuando se topa con este señor que le cae mal, la llegada a Venecia, cuando conoce a Tazdio y cuando muere.

Los actantes de la obra son:

ü  La falta de inspiración de Gustavo, que sin duda es la que origina el viaje. Eso y su estado de salud.

ü  Cuando Gustavo conoce a Tazdio, ya que es por él que no quiere abandonar Venecia a pesar del cólera.

No considere a Gustavo un actante, solo es un personaje que se mueve dependiendo del contexto, ni a Tazdio que es otro personaje también. Pero es importante remarcar que estos dos son los principales en la narración. Tienen varias aplicaciones, por un lado por un lado, como mencionaba arriba, marcan los cambios en el arte: Gustavo es un escritor reconocido, que incluso se utilizaba para leer en las escuelas. Tazdio es un personaje que cautivó en el sentido estético a nuestro escritor-personaje. Esa es la importancia de la profundidad de los personajes, que sin duda sin pistas para esta interpretación[2].

La novela comienza en Munich

La obra se da en un sentido serio, escrita en tiempos pasados, con un lenguaje fácil de entender, quizá en el momento de la traducción se limpió y adecuó para su lectura al español. Es una buena obra si uno no se queda con el plano literal y encuentra las correlaciones acerca del “punto del no retorno”, pero en cierto momento la novela se vuelve densa y plagada de imágenes, cosa que me aburre a veces[3]. Pero una vez que se comienzan a desentrañar los hilos que unen al pasado con el presente narrativo, se da uno cuenta de que son parte esencial del relato y se les toma un poco de cariño.

Trabajos Citados

Mann, T. (2010, noviembre 10). La muerte en Venecia. Retrieved Octubre 2011, from Ciudad Seva: http://www.ciudadseva.com/textos/cuentos/ale/mann/muerteve.htm

Martínez, M. G. (2002, octubre - noviembre ). Aschenbach: El superhombre nietzscheano. Retrieved noviembre 2011, from Razón y Palabra: http://www.razonypalabra.org.mx/anterior.html

Para reflexionar (locuras personales): El barco donde es transportado Gustavo, “era el barco una vieja cáscara de nuez” (Mann, 2010), ¿podría ser el mismo que usa Francisco Gabilondo Soler en su canción del mosquito?

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[1] No se me ocurre mejor término.

[2] Cabe mencionar que otra interpretación posible es el del amor homosexual, pero es un tópico muy literal y sobretrabajado. Lo menciono para no dejar huecos.

[3] De manera personal, pero para una persona que le gusten las descripciones sería un buen libro.

Análisis de la obra: La Señora Dalloway.

Mrs. Dalloway es una novela de las mejor calificadas en la literatura inglesa, donde vemos un día en la vida de Clarissa Dalloway, que no especifica cuál aunque deja datos determinados que además dan verosimilitud a la narración, como el recorrido que hace cuando va a comprar flores. No encuentro una trama tan directa, el estilo narrativo es muy fragmentado, pero transcurre de manera cronológica con muchas analepsis.

La manera en que se cuenta la historia con varios narradores, desde el inicio hace varios cambios: el Narrador es heterodiégetico, donde salta de la mente de un personaje a otro y en ocasiones narra los hechos del presente tal y como lo ve, para después saltar a los pensamientos de los personajes, donde nos cuenta lo que no se atreven a decir e incluso algunos recuerdos que hacen retrasar la narración del presente. En la obra abundan las descripciones, los soliloquios, se pueden encontrar algunos diálogos, ya sea en el párrafo o con salto de línea.

El título se justifica gracias a que es un día en la vida de Clarissa, la señora Dalloway. No siento que el título tenga una interpretación simbólica a priori de la obra, sino a partir de su recepción, como ocurre con Madame Bovary.

En cuanto al dialogo narrador/narratario, el primero es omnisciente, haciendo uso de sus poderes constantemente lo que hace que a veces se le olvide contar el presente. El narratario es totalmente eludido. El texto esta en estilo indirecto libre, que coloca al narrador tan cercas del personaje que a veces parece confundirse con él.

El tema principal, siento que es Londres en la postguerra y sus consecuencias sociales, ya que en el inicio es el “personaje” que se introduce, además, la mayoría de los personajes que nos presentan nos dejan ver la cuidad de formas diferentes: en la obra hay muchos Londres, muchos que son el mismo. También lo puede ser la complejidad de la mente humana, la manera en que se nos presentan los personajes y la profundidad que posee cada uno se debe a los pensamientos y recuerdos que maneja. Algunos momentos climáticos podrían ser cuando Peter llega a visitar a Mrs. Dalloway, cuando Mrs. Dalloway se besa con su amiga Sally, cuando Mrs. Dalloway conoce a Richard y deja a Peter y cuando Septimus se suicida.

El hilo narrativo lo logra la señora que cede su nombre al libro, ya que son sus amistades las que nos presentan Londres y el resto de la historia a través de su mente y la subjetividad que se enfrasca en cada uno de ellos. Y podría decirse que es ella[1] el actante principal, ya que es gracias a la fiesta que hacemos el recorrido por el resto de los personajes, o porque ella se los topa, y el narrador “se sale un ratito a vagar”.

Los actantes son todos los personajes que nos hacen ver a través de sus ojos la vida londinense, son las conciencias en movimiento de la señora Dalloway, de Richard, su marido, de Peter Walsh, de Elizabeth, de Doris Kilman, del atormentado Septimus o de Rezia, su esposa italiana, perspectiva desde la cual va siendo construida aquella cálida mañana, a través de las calles londinenses con sus bocinas y motores, los parques por donde transitan los personajes, etc. El mundo se vuelve objetivo en esas conciencias antes de llegar al lector, deformándose según el estado de ánimo de cada cual añadido a los recuerdos, impresiones y sueños o fantasías.

El espacio de lo narrado es obviamente es Londres después de la guerra, y el espacio literario es el mismo que el histórico, pero también se incluyen las mentes de los personajes que hablan para sí mismos. El tiempo de lo narrado es de un día, alrededor de doce horas. Lo que hace que la novela retrase el presente es que se va al pasado muchas veces, o mientras los personajes se mueven, piensan mientras actúan logrando que sea realmente un día en la vida de…, “retrasando” las acciones que en realidad ocurren mientras se piensa.

En cuanto al lenguaje, notamos que abunda el monólogo interior de los protagonistas. La prosa y el vocabulario con la que esta escrita es un estilo muy próximo a la poesía, rico lenguaje figurativo, como lo son las metáforas, las descripciones, etc.

La obra es buena en cuanto a propuesta literaria, pues me parece muy realista el hecho de retrasar las acciones con respecto al monólogo interno que llevamos todos, todos los días. En lo personal, no me gustan las obras donde las descripciones abundan sobre las acciones, pues se me hacen un tanto lentas, además que me hacen perder la concentración y para una obra como ésta es fatal, ya que, como todo está conectado, es importante prestar atención a los detalles para comprender la obra y su valor.




[1] Solamente para dejarlo en claro, la señora Dalloway